ARTE ROMANA - PINTURA

Afresco na Vila dos Mistérios - Pompéia

  A pintura romana sempre esteve estreitamente ligada à arquitetura, e sua finalidade era quase exclusivamente decorativa. Já no século II a.C., na época da república, disseminou-se entre as famílias patrícias, empenhadas em exibir sua riqueza, o peculiar costume de mandar que se fizessem imitações da opulenta decoração de templos e palácios, tanto na casa em que viviam quanto naquela em que passavam o verão. Graças a um bem-sucedido efeito ótico, chegavam a simular nas paredes portas entreabertas que davam acesso a aposentos inexistentes.

   Além dos ornamentos palacianos, os temas favoritos escolhidos por essa arquitetura fictícia eram quase sempre cenas da mitologia grega, vistas de cidades ou praças públicas e bucólicas paisagens tipicamente romanas. Com o tempo, aproximadamente na metade do império, esse costume deixou de ser moda e foi se atenuando, até que as grandes pinturas murais acabaram tendo reduzidas suas dimensões, para transformarem-se finalmente em pequenas imagens destinadas a obter efeitos decorativos.

   Isso se passava no âmbito da pintura propriamente dita, porque, convivendo com ela nos lares abastados e em não raros edifícios públicos, o mosaico foi o outro grande favorito na decoração de interiores romana. Os temas prediletos para a aplicação dessa complicada e minuciosa técnica foram, por um lado, o retrato, que podia ser bem pessoal ou apresentar um caráter familiar, e, por outro, as onipresentes cenas mitológicas, além das paisagens rurais ou das marinhas, com sua fauna e flora.

ARTE ROMANA - ARQUITETURA

Coliseu - Roma

   Embora não haja dúvida de que as obras arquitetônicas romanas tenham resultado da aplicação das proporções gregas à arquitetura de abóbadas dos etruscos, também é certo que lhes falta um caráter totalmente próprio, um selo que as distinga. Para começar, a partir do século II a.C., os arquitetos da antiga Roma dispunham de dois novos materiais de construção. Um deles, o opus cementicium - uma espécie de concreto armado - era um material praticamente indestrutível.

   Do outro lado estava o opus latericium, o ladrilho, que permitia uma grande versatilidade. Combinado com o primeiromaterial, ele oferecia a possibilidade de se construírem abóbadas de enormes dimensões e, apesar disso, muito leves. Os romanos também modificaram a linguagem arquitetônica que haviam recebido dos gregos, uma vez que acrescentaram aos estilos herdados (dórico, jônico e coríntio) duas novas formas de construção: os estilos toscano e composto.

   A evolução da arquitetura romana reflete-se fundamentalmente em dois âmbitos principais: o das escolas públicas e o das obras particulares. As primeiras (por exemplo, templos, basílicas, anfiteatros, arcos de triunfo, colunas comemorativas, termas e edifícios administrativos) eram obras que apresentavam dimensões monumentais e quase sempre formavam um conglomerado desordenado em torno do fórum - ou praça pública - das cidades.

   Por outro lado, as segundas, como os palácios urbanos e as vilas de veraneio da classe patrícia, se desenvolveram em regiões privilegiadas das cidades e em seus arredores, com uma decoração faustosa e distribuídas em torno de um jardim. A plebe, ao invés disso, vivia em construções de vários pavimentos chamados de insulae, muito parecidos com nossos atuais edifícios, com portas que davam acesso a sacadas e terraços, mas sem divisões de ambiente nesses recintos.

   Seus característicos tetos de telha de barro cozido ainda subsistem em pleno século XX. A engenharia civil merece um parágrafo à parte. Além de construir caminhos que ligavam todo o império, os romanos edificaram aquedutos que levavam água limpa até as cidades e também desenvolveram complexos sistemas de esgoto para dar vazão à água servida e aos dejetos das casas. O conceito de grande urbe que tinham os romanos definitivamente era muito semelhante ao que existe em  nossos dias.

Pixação

RELEITURA

1- RELEITURA

Leitura = Ato ou efeito de ler; arte de ler; aquilo que se lê.

Ler = Ver e interpretar o que está escrito, proferido ou não; interpretar por meio da leitura; decifrar; interpretar o sentido de; decodificar; traduzir...

Re = Prefixo indicativo de uma nova ação; fazer de novo da mesma forma ou de forma diferente.

                                                  BUENO, Silveira. Minidicionário da Língua Portuguesa, São Paulo, FTD, 1996.

                                                  BIDERMAN, Maria Tereza Camargo. Dicionário Didático de Português. Ed.         

                                                  Ática, 1998.

   É possível encontrar referências a releituras ao longo de quase todo o período da história da arte de modo ocasional. Desde a pré-história até o período medieval. 

   A partir do século XV essa prática passou a ser mais recorrente, porém como práticas pouco comerciais de artistas em seus ateliês (principalmente pelos RENASCENTISTAS).  Nos século XIX  e início do XX artistas modernistas exploraram esta expressão porém não de uma forma ampla. Já em 1916, artistas DADAÍSTAS realizam importantes releituras. Contudo, somente a partir da segunda metade do séc. XX, através das práticas de artistas da POP ART (1954), é que a RELEITURA passou a ser uma modalidade definida no universo das artes plásticas. Sendo então reconhecida como atividade própria da ARTE CONTEMPORÂNEA.

·         Como se faz uma releitura?

   Uma releitura busca trazer um novo significado para a imagem. Pode ser de caráter cômico, irônico, afirmativo, uma crítica, ou apenas uma brincadeira.

1º - A partir de alguma informação que se conheça sobre a obra:

•         o que a obra diz ou quer dizer;

•         o artista que produziu a obra;

•         a qual movimento artístico pertence;

2º - A partir de uma leitura individual da obra

·         Releitura na Bíblia?

   No sentido de fazer de novo, porém com outra forma e para outra função.

JEREMIAS 18:4-6

 “Então fui à casa do oleiro, e o vi trabalhando com a roda.

 Mas o vaso de barro que ele estava formando estragou-se 

em suas mãos; e ele o refez, moldando outro vaso de acordo

com a sua vontade. Então o Senhor dirigiu-me a palavra: 

“Ó comunidade de Israel, será que eu não posso agir com

vocês como fez o oleiro?, Pergunta o Senhor. “Como barro

nas mãos do oleiro, assim são vocês nas minhas mãos,

ó comunidade de Israel...”  NVI


ALGUMAS RELEITURAS PARA APRECIAR

Botero - Monas

 

        Marcel Duchamp - LHOOQ 1919

 

Marcel Duchamp

Maurício de Souza - Mônica MonaLisa

Releitura aplicada a Propaganda - Mon Biju 1998

Almeida Júnior - Caipira Picando Fumo 1893

Maurício de Souza - Chico

Vincent van Gogh – Auto-Retrato com a orelha cortada (1889)

Bob Esponja Como Você Nunca Viu  - Van Gogh com orelha cortada

Salvador Dali -  A Persistência da Memoria (1931)

Bob Esponja Como Você Nunca Viu  - Salvador Dalí - A persistência da Memória 1931

Georges Seurat – Uma tarde de domingo na ilha de Grande Jatte, (1884-1886)

Bob Esponja Como Você Nunca Viu  - Salvador Dalí - Georges Seurat -
Uma tarde de domingo na ilha Grande Jatte

O Pensador, de Auguste Rodin

Mauricio de Souza - HISTORIA EM QUADROES
Pensador de Planos Infalíveis

2- Para Casa

   De acordo com o que vimos e estudamos acima, a partir de uma leitura (interpretação) da obra “Família” da artista modernista brasileira Tarsila do Amaral, realizar uma "Releitura" desta obra no caderno de forma colorida e caprichada. Não se esqueça dos passos apresentados para realizar uma releitura e de trabalhar um conceito (idéia) em sua composição.

NOSSA RELEITURA - I

    Tarsila do Amaral - A Família 1925 Óleo sobre tela 79x101,5 cm Museu nacional de Arte Reina Sofia      Madri - Espanha

Arte Brasileira da Chegada Portuguesa até o séc XIX - 7º ano

Primeira Missa no Brasil - Victor Meirelles 1860 (A tela produzida anos depois do fato retrata os portugueses colonizadores realizando a primeira missa no Brasil logo apos sua chegada e "descobrimento". 

   

   Até a chegada dos portugueses, a população indígena brasileira se espalhava por quase todo território nacional. Praticando livremente sua cultura e crenças. Apesar de não podermos falar de uma arte indígena brasileira de modo geral, já que cada grupo possui hábitos e costumes que dizem respeito a sua tribo específica, há algumas características similares entre os grupos. Uma delas é a tendência a geometrização e padrões na confecção das pinturas corporais e nas peças de artesanato como vasos e utensílios. Muitas vezes estas pinturas geometrizadas são esquemas de animais e plantas pintados de modo repetitivo, formando um mosaico geométrico nos corpos e sendo entendidos apenas pelo grupo.

   Após a chegado dos colonizadores portugueses no Brasil, o cenário cultural de nossa nação sofre grande mudança e novidades aparecem tanto para indígenas como para portugueses, já que a presença de ambos e suas culturas eram novidades uns para os outros. Isso explica o grande número de pinturas, e mais tarde fotografias, de índios enviados a Europa no período colonial. O mundo europeu tinha muita curiosidade em conhecer o novo mundo descoberto (Brasil), por isso imagens de índios, plantas, animais, e paisagens eram produzidos e enviados, externando o fascínio dos colonizadores pelo exotismo do Brasil em relação a Europa. A tendência a pintar índios e cenas indígenas e chamada de indianismo.

   Com a mudança da família real portuguesa para o Brasil, houve o desejo (na verdade uma necessidade) de se criar uma cultura de produção artística no Brasil de modo semelhante ao que acontecia na Europa. Um grupo de artistas franceses fora contratado pela coroa portuguesa e trazido ao Brasil com a missão de produzir e ensinar artes plásticas no Brasil. Também tinham a missão de fundar a primeira escola de artes plásticas em nossa terra. Essa missão recebeu o nome de missão artística francesa e por  ordem de Dom João VI, de Portugal, em 12 de agosto de 1816 a primeira escola de artes brasileira foi fundada na cidade do Rio de Janeiro com o nome de Academia Imperial de Belas Artes. Na academia se ensinava desenho, pintura, escultura, história da arte, e conhecimentos e habilidades específicas necessárias a essas práticas.

   Algo interessante a ser observado é que naquele período havia uma hierarquia, ou seja, uma ordem de importância para a pintura. O gênero considerado o mais elevado era o da pintura de cena histórica, seguido da pintura de retrato. Em nível inferior ficavam a pintura de natureza morta (pintura de objetos, arranjos de flores e frutas), pintura de gênero (pintura de cenas do cotidiano), e pintura de paisagem. Não é difícil entender porque a pintura de cena histórica e retratos eram os gêneros mais nobres, basta lembrarmos que até a invenção da fotografia, a forma de se contar e mostrar fatos através de imagens, seja do presente ou passado, era através da pintura. As imagens perpetuam – fazem permanecer, durar – na mente das pessoas lembranças sobre fatos passados. Além de ilustrar com imagens acontecimentos importantes ocorridos, como revoluções, guerras, fatos políticos, sociais e culturais, retratos de pessoas importantes e ilustres na sociedade, retratos de nobres, oficiais. e pessoas de cargos de destaque, como membros da família real, políticos, militares, autoridades religiosas como papas, cardeais, bispos e padres, professores ilustres, dentre outros. Por isso grandes pinturas desse tipo ilustram livros didáticos até hoje. São cenas de batalhas, da primeira missa no Brasil, da chegada e vida da família real, e hábitos cotidianos da vida no Brasil.

   A partir da nova escola de arte recém fundada, outros grupos de artistas foram criados com propósitos diferenciados. Um grupo de destaque foram as missões científicas.Trata-se de grupos de pesquisadores (professores, cientistas...) que tinham a missão de penetrar pelo território brasileiro descobrindo, registrando e catalogando, novas espécies de animais e plantas. Para fazerem os registros das descobertas, artistas acompanhavam os grupos realizando pinturas rápidas dos achados. As pinturas eram realizadas na técnica da aquarela, por se tratar de uma técnica que não utilizava muita tinta, de secagem rápida devido ao clima brasileiro muito quente (especificamente no Rio de Janeiro), e de não utilizar de materiais muito específicos para sua realização. Essas pinturas ilustraram muitos livros produzidos sobre o Brasil enviados a Europa.

   Alguns anos à frente, um invento começou a revolucionar a maneira de se obter imagens no mundo. Foi a invenção da primeira máquina para obtenção de imagens através da luz, ou seja, da primeira máquina fotografica (foto significa luz, e grafia gravar, registrar ou desenhar). Seu inventor foi um francês chamado Louis Daguerre em 1837 e a máquina foi anunciada em 1839. Não foi chamada a princípio de máquina fotográfica e sim de daguerreótipo, em homenagem a seu inventor. O modo de se obter a fotografia era bem complicado, utilizando placas preparadas de prata e produtos químicos como o iodeto de prata, hipossulfito de sódio, e vapor de mercúrio. Apenas era possível a obtenção de uma única fotografia, não sendo possível realizar cópias. Dom Pedro II adquiriu no ano de 1840 um daguerreótipo, porém, já em 1824, o francês Antoine Hercules Romuald Florence, que residia em Campinas, já fazia experiências com um tipo de máquina fotográfica utilizando papel, isso sem saber dos experimentos de Louis Daguerre. Antoine Hercules batizou o processo que descobriu de Photografie. Esta foi a primeira vez que este processo de obtenção de imagens recebeu este nome. Pela descoberta de Florence, o Brasil é considerado um dos pioneiros na Fotografia.

CUBISMO

O Cubismo foi um movimento artístico criado por Pablo Picasso e Georges Braque por volta do ano de 1906 enquanto trabalhavam juntos em um atelier de arte na França, que era considerada naquela época a capital mundial das artes. O movimento foi completamente vanguardista por lidar com questões ainda pouco exploradas em arte e por introduzir técnicas novas e pouco convencionais de produção artística.

Em primeiro lugar, eles pensaram em construir imagens que representassem não apenas um lado do objeto (como uma fotografia faz), mas sim todos os lados de um objeto em uma única tela plana. Queriam que o expectador pudesse visualizar todo o objeto representado de uma única vez. Para isto realizaram pinturas em que pintavam cada fragmento do objeto tema (um violão, vaso de flores, etc) em uma parte do quadro, gerando assim uma imagem formada por varias partes como um mosaico. O objeto representado ficava deformado. A intenção de representar todas as faces de um objeto sobre uma tela plana só foi conseguida de fato e satisfatoriamente anos mais tarde com a invenção do cinema que produzia seqüência de imagens que traziam a sensação de movimento.

A intenção de representar as varias faces dos objetos também trouxe para a arte, não pela primeira vez, mas de maneira mais forte, a idéia de vários planos e varias dimensões para representar uma imagem. Seria como se varias pessoas fizessem uma fotografia de uma arvore cada uma de uma posição (ponto de vista, paradigma) diferente e todas as fotografias fossem recortadas e coladas em um único papel para que pudéssemos ver os vários ângulos da arvore de uma única vez.

Os cubistas Pablo Picasso e Georges Braque foram também os primeiros a inserir recortes de revistas, jornais e outros objetos em telas para interagirem com a pintura. Com isto chamaram a atenção para uma característica tão simples da pintura mas que por alguns momentos perdemos no ato de admirar uma tela. A característica de que uma pintura é apenas uma pintura, ou seja, muitas vezes olhamos para a pintura de uma paisagem ou um vaso de girassóis com a intenção de ver uma paisagem ou um vaso de girassóis, sem nos lembramos de que é apenas uma representação, apenas tinta na tela que produz a sensação. A partir deste ponto podemos entender então a expressão de Michelangelo no século XV de que "arte é sobretudo coisa menta", e Raffaelo ainda disse na mesma época: "eu não pinto com a mão, e sim com o cérebro". Com tudo isto Picasso e Braque estavam demonstrando, assim como Michelangelo e Raffaelo tentaram dizer, que a obra de arte acontece na mente (ou no cérebro) de quem observa, e que o objeto artístico (a pintura na tela, o desenho, ou uma escultura) serve apenas para sensibilizar o expectador. Assim a pintura é apenas tinta na tela e as sensações causadas por ela, como por exemplo um rio correndo são percepções geradas pela ação do olhar refletida no cérebro ou mente do expectador. Além disto tudo, dizer que arte é coisa mental também significa que o artista primeiro pensa o que ira pintar, observa e entende a cena para depois realizar a pintura na tela, ou seja, a pintura acontece primeiro na mente do artista.

Picasso crio pinturas, esculturas, gravuras, desenhos, cerâmicas, objetos artísticos, e fotografias. Sua carreira foi muito diversificada e longa. Em uma fase mais madura seus desenhos eram bem simples e se pareciam com desenhos de crianças, e não possuíam muito rigor técnico. Esta aparência era intencional. Picasso dizia que um artista deveria pintar com pureza e naturalidade, sem ter preocupações muito rigorosas com o que o desenho iria parecer, apenas desenhar como conseguisse e como achasse belo, assim a obra de arte comunicaria melhor alma do artista e seria mais bela pelo que representava do que pelo que era fisicamente. Por isto Picasso declarou que "Em poucos anos aprendeu a desenhar como Raffaelo, mas levou a vida toda para aprender a desenhar como uma criança".

 

Baseado em : STANGOS, Nikos (org). Conceitos da Arte Moderna, Jorge Zahar Editor, Rio de Janeiro, 2000.

VOCABULÁRIO

Vanguardista - aquele que vai a frente, novo.

Fragmento – parte separada.

Interagir – funcionar em parceria.

Sensibilizar – Produzir sensações. Por exemplo: A tela e os óculos do cinema 3D sensibilizam o expectador com as sensações necessárias para que tenhamos a impressão de que a imagem esta em terceira dimensão(3D) ou seja, saltando para fora da tela.

FAUVISMO

FAUVISMO

Etimologicamente o termo Fauvismo vem da palavra francesa Fauve que significa Fera ou Selvagem. Esta designação foi dada por críticos de arte que avaliavam os salões de arte na França e julgaram que as pinturas de um determinado grupo de artistas eram feita com muita "ferrocidade" e que parecia ter sido feita por animais e não homens. Sendo assim eles diziam que algum animal deveria ter jogado tinta na tela. O que eles não gostavam na pintura desses artistas na verdade era a maneira como eles utilizavam as cores sem as misturar muito, ou seja, havia grandes áreas de cor amarela, vermelha ou verde bem forte nas imagens sem se misturem. As representações eram mais abstratas e pouco realistas, e não demonstravam as cores reais do que representavam; por exemplo: pintavam uma laranja azul, um céu cor de rosa, um rio amarelo e pessoas de diversas cores que não se pareciam com o real. Dessa maneira os artistas desse grupo passaram a ser chamados Fauvistas.

O movimento Fauvista despontou em 1905 e foi influenciado pelo desejo de alguns artistas em buscar retratar coisas mais sentimentais e não exatamente como se enxergava o mundo. Estes artistas diziam que era mais importante expressar o que se sente na alma ao ver uma paisagem do que ter que pintar a paisagem do modo mais parecido possível que se conseguisse. Assim eles estavam dizendo que a pintura sentimental (baseada nas emoções e sentidos: visão, tato...) era superior a pintura puramente técnica (habilidade de expressar perfeitamente o que se vê ou imagina a partir de conhecimentos técnicos e regras específicas).

Os críticos de arte não aceitaram as pinturas dos artistas chamados Fauvistas por que estavam habituados a julgar obras de arte apenas pelas qualidades técnicas que enxergavam nos quadros. Qualidades estas que eram ensinadas nas academias de belas artes e eram encontradas em livros de regras de pintura. O Fauvismo foi, portanto um movimento artístico que rompeu com as formalidades técnicas de pintura para realizar uma pintura mais ligada a alma do artista. Todo rompimento de maneiras antigas de se fazer algo em arte para buscar novas formas de se produzir arte é chamada na história da arte de Vanguarda.

Com tudo isto, os artistas estavam de forma indireta expressando também o descontentamento da sociedade francesa daquele período que não estava se sentido confortável com o aumento das áreas urbanas (cidades não rurais) e a aceleração do ritmo de vida causado pela industrialização que levava as pessoas a serem mais imediatistas e mecânica e a passarem cada vez mais tempo trabalhando em ambientes fechados, se relacionando menos com outras pessoas, com a família, e se tornando menos sensíveis a valores religiosos. Condições estas que são essenciais para a vida humana.

 

Baseado em : STANGOS, Nikos (org). Conceitos da Arte Moderna, Jorge Zahar Editor, Rio de Janeiro, 2000.

PATERNOSTRO, Zuzana. Catálogo da Exposição Pos-Impressionismo e as Origens da Pintura Moderna, Sesc/BH, 2009.

 

VOCABULÁRIO

Etimologicamente – Vem de etimologia, que é o estudo da origem das palavras. Por exemplo: a palavra Biblioteca vem da junção da palavra Biblio que em latim é livro e teca que é coleção, ou seja, biblioteca é uma coleção de livros.

EXPOSIÇÃO OLHAR E SER VISTO - CASA FIAT DE CULTURA

 O LOCAL

A Casa Fiat de Cultura é um espaço cultural inaugurado no ano de 2006 no bairro Belvedere, região de Nova Lima próximo ao BH Shopping de Belo Horizonte. É um espaço contendo galerias para exposições artísticas e salas para palestras e exibição de filmes com a intenção de promover mostras e programações culturais que enriqueçam e proporcionem um ambiente adequado para que os visitantes aumentem seus conhecimentos sobre arte, história, dentre muitos outros possíveis temas. E essa é exatamente uma das funções principais de uma galeria de arte, promover momentos agradáveis de apreciação de obras de arte e peças históricas, promover cultura através da possibilidade que as pessoas tem de conhecer coisas novas sobre diversos temas, educar e trazer novos conhecimentos a seus expectadores e propiciar que os visitantes tenham contato com obras que muitas vezes apenas seriam vistas nos livros.

A EXPOSIÇÂO

A exposição visitada tem por título "Olhar e Ser Visto". Trata-se de um conjunto de retratos e auto-retratos feitos por artistas desde o século XVI até o século XX onde podemos observar as diferentes formas de se realizar o retrato de alguém durante a passagem desses anos. O que vai demonstrar para o expectador a percepção e comparação entre variados movimentos artísticos. Em algumas épocas os retratos serão de corpo inteiro e em lugares fechados, como no interior de uma casa. Em outras épocas as pessoas retratadas serão colocadas pelo pintor em um ambiente inventado (fictício), ou mesmo em épocas que não eram a delas, como em um passado distante ou anos a frente no futuro.

Veremos que no século XVI e XVII as pessoas serão pintadas como se estivessem olhando para o expectador com uma postura firme, nobre e até mesmo de autoridade. Com o passar dos anos as posturas mudam, porque os artistas e a maneira com que as pessoas retratadas queriam ser vistas também haviam mudado. Muitas vezes veremos pessoas em seus locais de trabalho, demonstrando suas habilidades, ou o que pensavam, como viviam, quem eram, ou simplesmente posando para em seguida se observarem e se descobrirem.

Podemos observar também os diferentes modos de pintar de cada artista e de cada época, e também como em cada época os artistas e as pessoas têm formas diferentes de enxergar o mundo, o seu próximo e a si mesmo. Podem ser observadas pinturas realizadas próximas a perfeição realista (como uma fotografia) em algumas épocas, alegóricas em outras, abstratas, desenhadas como uma animação ou quadrinhos, pintadas sem muita preocupação com os contornos ou geométricas e até mesmos "conceituais" (ou seja, que transmite apenas o conceito – a idéia – do que ela realmente queria falar. Muitas vezes não demonstrava a imagem da pessoa retratada, apenas sugere pela escrita, objetos e outros).

Para facilitar a leitura da exposição, as obras artísticas foram divididas em grupos dentro do espaço da galeria a partir de seus temas e épocas. São 6 (seis) grupos divididos da seguinte maneira: 

1. O Retrato de Pompa
   
   
   
   Os primeiros retratos ditos autônomos surgem no século XIII e ganham impulso com a invenção da portátil tela de pano como suporte. Os retratos deste grupo são ditos "de aparato". A imagem construída pelo artista deve ser impressionante, o retratado é mostrado como alguém especial, subtraído quase aos acidentes do efêmero. Daí serem de certo modo atemporais, não fosse pelas roupas que ajudam a configurar e situar os que as envergam. Os retratados estão sobre fundo neutro (ou genérico, como na tela de Gainsborough) e se deixam ver em poses hieráticas, afirmativas, quer apareçam de corpo inteiro ou de meio corpo. São retratos de pessoas e também símbolos de alguma outra coisa, sobretudo do poder. Os primeiros retratos foram os da realeza, do alto clero e da aristocracia, donde serem naturalmente "de aparato". Como em toda pintura de gênero, o que primeiro se retrata aqui é o próprio código a que a obra pertence – no caso, a ideia de pompa; o retratado é o meio para pintar-se a pompa em si mesma.
   
   
   
2. O Recurso à Cena
   
   
   
   Os retratos deste grupo apresentam seus modelos junto a alguém mais ou a alguma outra coisa, fazendo alguma coisa, representando alguma coisa – compõem, com as outras pessoas ou coisas representadas, uma cena que lhes empresta ou sugere uma qualidade
   específica. De algum modo, todo retrato compõe uma cena, em particular os retratos de aparato; aqui, porém, a cena é mais explícita e ampla e a narrativa que propõe é mais extensa, se não mais complexa.
   
   
   
3. Eu Mesmo
   
   
   
   Atração narcisista pela própria imagem; tentativa de sair de si mesmo para enfim ver-se melhor, ver-se de outro modo; a simples comodidade de ser o modelo mais disponível; no início de sua história, esforço do artista para que o vissem como aqueles que ele próprio retratava, isto é, como um membro das classes altas, das profissões liberais (intelectuais), e não das manuais, que dependiam do esforço físico: tudo isso se encontra na origem e na história do autorretrato. Aqui, o espelho de que se serve o artista, por mais polido que seja, revela-se opaco ou tem um grau de refração que o torna inútil – porque reflete tanto o retratado quanto quem o mira.
   
   
   
4. Retrato de Idéias
   
   
   
   O retrato "convencional" é uma representação extraída diretamente da vida (ritrarre). Seu oposto, o retrato que se serve do imitare, é um acréscimo à vida, gera algo que não existia antes e que, portanto, não é uma reapresentação, mas uma apresentação pela primeira vez, uma presentificação – só existe no presente da arte que o propõe. A pessoa real que serviu para a representação pode ou não aparecer tal qual na obra. O que a obra retrata, antes, são ideias (estéticas, sociais, psicológicas). Tais obras se servem das pessoas para pôr em cena as ideias (uma família, um casal, uma profissão, uma atividade, uma situação, uma emoção). Em arte, de fato, nunca é diferente. Mas nesse grupo, o compromisso com as ideias e os ideais por cima da pessoa representada é ainda mais destacado.
   
   
   
5. Retratos Modernos
   
   
   
   Aqui, à primeira vista, os retratos são das pessoas elas mesmas, mais do que de alguma coisa que esteja por trás delas, que representem e na qual se amparem. O que se representa são elas mesmas e não o eventual poder que tenham ou objeto ou ser que as definam. Mas, por maior que seja a verossimilhança, em muitas destas telas predomina uma sensação de estranheza – mesmo que se ofereçam nuamente ao olhar, tampouco qui elas se revelam de todo, expõem-se. Tanto quanto a pessoa, o que se vê é a persona, a máscara que os retratados usam para se deixarem ver (quando não para se verem). De certo modo, essa é uma qualidade da maioria dos retratos; neste grupo, porém, o tom é mais acentuado, porque nenhum objeto de contexto ou símbolo sugerido vem em socorro do retratado – ou de quem o observa.
   
   
   
6. Desconstrução
   
   
   
   Com a arte moderna do final do século XIX, a figura – e com ela a identidade – vai-se desfazendo e vai sendo substituída por outra coisa. Picasso apresenta uma evidência exemplar desse modo, decompondo a cabeça da personagem numa multiplicidade de fragmentos, cuja soma é maior que o todo. Ao lado, Flávio de Carvalho e Chemiakin adotam procedimentos diferentes, que convergem, no entanto, para o mesmo fim: o retratado desaparece em favor da retratação da própria arte, da estética do artista, para quem o retratado é apenas um pretexto e nem de longe o mais importante. A representação do que está fora da arte chegou a seu fim.
   
   

O GÊNERO "RETRATO"

Existem alguns gêneros artísticos distintos dos quais podemos citar: a natureza morta
(gênero da pintura em que se representa seres inanimados, como frutas, flores, livros, taças de vidro, garrafas, jarras de metal, porcelanas, dentre outros objetos), o retrato
(pintar o retrato de alguém), o auto–retrato
(pintar o retrato de si mesmo), a pintura histórica
(pintura de cenas e fatos históricos), a pintura de paisagem
(pintura de paisagens urbanas, rurais, etc), pintura
de gênero (que
faz referência às representações da vida cotidiana), o muralismo (pintura de grandes murais, geralmente em espaços abertos e públicos), dentre outros.

O retrato pertence a um dos mais antigos gêneros da arte, porém nunca deixou de ser realizado e respeitado. Sendo reinventado ao longo dos anos em diferentes modos de representação e significado. O retrato procura responder a uma pergunta fundamental: Quem sou eu, qual a minha imagem, como me pareço? Essa é a pergunta básica que alguém faz a um artista quando pede-lhe que faça o seu retrato, e também a pergunta que um artista faz a si mesmo quando decide fazer um auto-retrato. E mais ainda, todas as vezes que um artista observa um retrato de si ou alguém observa o retrato que um artista fez dela, essa é automaticamente a pergunta que lhe vem a mente, porque todos nós queremos de algum modo nos conhecer, saber como as pessoas nos vêem, e dizer para as pessoas como gostaríamos de ser vistos.

A maneira como nos mostramos na verdade deveria ser de acordo com o caráter que possuímos, e ele (o caráter) deve ser dia a dia transformado por Cristo Jesus para vivermos e nos apresentarmos de maneira realmente bela.

Na realidade um retrato nos faz refletir sobre nos mesmos. É por esse motivo que um retrato muitas vezes não representa apenas o exterior de alguém, os artistas buscam interpretar também, de algum modo, a personalidade, o caráter, as características do jeito de ser (da alma, dos sentimentos) da pessoa retratada. O quadro de um retrato tenta ser, portanto uma representação profunda da pessoal retratada.

Nesta exposição poderemos observar que muitas pessoas são pintadas com alguns objetos para reforçar o que querem dizer sobre si. Por exemplo: podemos encontras mulheres segurando livros e marcando as páginas dos livros com os dedos querendo dizer que estavam lendo quando posaram por um instante para a realização da pintura, e que são pessoas muito cultas (de grande conhecimento e estudo) e amantes do saber. Veremos pessoas com instrumentos de trabalho, ou com jóias para se dizerem ricas. Em outros momentos veremos pessoas se mostrando muito sérias e altivas como reis, querendo demonstrar que são autoridades. Haverá ainda pessoas que "olham" para qualquer lado no quadro, menos para o expectador, querem dizer que "não estão nem ai" para quem esta vendo ou que estão atentas a outras coisas, até mesmo consigo mesmas.

DE ONDE VÊM AS OBRAS

Todas as obras expostas nesta mostra são pinturas originais realizadas por artistas que viveram entre o século XVI e século XX. Dentre as obras dessa exposição há apenas uma fotografia e uma escultura também originais. As obras pertencem hoje ao MASP (Museu de Arte de São Paulo) que as emprestou à Casa Fiat de Cultura para que pudessem ser apreciadas pelo público de Belo Horizonte.

Para serem vistas em BH foi necessário que cada obra fosse guardada em caixas especialmente feitas para cada uma delas, de modo a garantir a segurança e também proporcionar que as obras viessem na temperatura e posição corretas. Além disso, a galeria dever contar dentre outras coisas com:

• Um tipo especial de luz para que as obras não sejam agredidas, por exemplo: para que com o tempo as cores das tintas não percam seu brilho e tom.
  
  
  
• Um excelente sistema de refrigeração, para que o excesso de calor não prejudique as obras deteriorando a tinta ou a faça trincar, prejudique a cola, o tecido, a madeira das obras, etc.

• Um bom sistema de segurança porque as obras são extremamente valiosas financeiramente, e ainda mais valiosas como bens culturais da humanidade.

• Seguro para cada obra. 

Por esses motivos é que devemos adotar algumas posturas para visitar a mostra conforme o item a seguir.

COMO VISITAR UMA EXPOSIÇÃO

Para visitar uma exposição devemos tomar atitudes e respeitar regras como: 

• Não é permitido fotografar ou filmar a exposição, com ou sem flash.
• Não é permitido falar ao celular dentro das galerias, bem como enviar torpedos
  
• Não é permitido tocar nas obras.
  
• Não é permitido ultrapassar a faixa amarela presente no chão ou o nicho de segurança para ver as obras.
  
• Bolsas, mochilas, pastas e similares devem ser deixados no guarda-volumes no hall de entrada em frente à galeria.
  
• Não é permitido mascar chicletes, comer ou beber no recinto das exposições.
  
• Pede-se a gentileza de falar e movimentar-se com moderação nos espaços expositivos para que não atrapalhe a visita de outras pessoas.
  
• É recomendado o uso de um agasalho leve dentro da sala de exposição devido à temperatura ambiente baixa, por motivo de conservação das obras expostas.
• Levar um pequeno caderno ou bloco para anotações.

ATIVIDADES PARA ENTREGAR EM FOLHA SEPARADA

1. Procure e registre o significado e definição das 10 (dez) palavras sublinhadas no texto.

   
   
2. Anote em forma de tópicos as informações que o professor passar durante a visita e as comente de acordo com o texto acima.
   
   
   
3. A) Selecione o nome do artista que você achou mais interessante na visita e produza uma biografia sobre este artista consultando no mínimo duas fontes de pesquisa. Obrigatoriamente uma das fontes de pesquisa deve ser o endereço do blog da disciplina do professor descrito abaixo: estudandoarteecristianismo.blogspot.com
   
   
   
   B) Responda por que este foi para você o artista mais interessante e o que mais te chamou a atenção na obra desse artista vista na exposição.
   
   
   
4. Responda as perguntas a seguir de acordo com o texto:
   
   
   
   1. As galerias de arte cumprem funções sociais que enriquecem seus visitantes e valorizam as cidades onde estão presentes com valores culturais. Quais são estas funções desempenhadas pelas galerias de arte?
   2. Porque não podemos dizer que o que vemos em um retrato pintado é realmente uma expressão fiel da pessoa retratada? De um exemplo prático.
   1. Porque podemos dizer que o retrato nos faz refletir sobre nos mesmos?
1. Como você interpreta o título da exposição: "Olhar e Ser Visto"?
1. "A maneira como nos mostramos na verdade deveria ser de acordo com o caráter que possuímos, e ele (o caráter) deve ser dia a dia transformado por Cristo Jesus para vivermos e nos apresentarmos de maneira realmente bela." Como você entende esta parte do texto? De que modo você pode demonstrar que seu caráter foi transformado por Cristo?
   

OBS.: As perguntas acima devem ser copiadas antes de serem respondidas. Todas as respostas devem ser completas para serem consideradas.

ABSTRACIONISMO - INTRODUÇÃO

Entende-se por arte abstrata toda manifestação das artes plásticas, seja na pintura ou na escultura, na qual se desistiu da representação natural ou ilustrativa da realidade, para dar vazão a composições independentes dela. É preciso esclarecer que não é possível se falar de uma arte abstrata própria e unificada. Na verdade, houve dentro dela várias correntes, que às vezes estavam muito próximas quanto à sua filosofia, outras vezes muito afastadas, mas todas se mantinham sempre dentro do limite não-figurativo.

O pintor russo Kandinski foi o primeiro artista propriamente abstrato. Suas teorias sobre a abstração das formas como expressão do espírito humano determinaram uma mudança substancial na pintura e escultura do século XX. Juntamente com ele, Piet Mondrian, da corrente neoplástica, propôs a redução às formas geométricas puras de tudo aquilo que fosse representável. Essa foi uma proposta dos cubistas que o pintor levou a extremos totalmente não-figurativos, com a conseqüente racionalização da pintura.

O fato de os artistas mais representativos da arte moderna européia terem-se mudado para os Estados Unidos, durante a Segunda Guerra Mundial, foi muito significativo para a difusão da arte abstrata. Muitos deles, convidados pelas universidades, deixaram entusiasmados os jovens artistas americanos, e lá fundou-se a American Abstracts Artists, precursora da vanguarda expressionista abstrata. Donos de galerias e colecionadores apoiaram o desenvolvimento dessas novas tendências e gerou-se um mercado artístico dinâmico.

A arte abstrata encontrou finalmente seu lugar nas galerias e coleções de uma sociedade moderna e pujante, principalmente depois de superada a crise da depressão dos anos 30.Enquanto isso, a Europa do pós-guerra retomou as tendências abstratas, mas agora sob a ideologia das novas filosofias existencialistas, que entendiam a atuação do artista como um compromisso vital com uma sociedade devastada e desolada pelo terror e pela violência.

 

ABSTRACIONISMO - PINTURA

A partir das obras dos pintores mais representativos das vanguardas européias, como Kandinski, Duchamp, Delaunay e Picasso, entre outros, surgiu uma pintura que subsistiu durante o período que medeou as duas guerras e veio à luz após a Segunda Guerra Mundial. A complexidade de motivações e a diversidade desses artistas produziram grupos diferentes, com traços específicos de estilo e certas técnicas que dificultam uma classificação estilística geral da pintura abstrata.

Assim, dentro dessa vasta diversidade que ocorre dentro da vanguarda do século XX, determinou-se, de modo muito superficial, a existência de duas grandes categorias, citadas de modo resumido a seguir. Não se pode esquecer que muitas correntes aconteceram simultaneamente, outras surgiram do desenvolvimento das anteriores e finalmente existem as que emergiram da total oposição representada por alguns artistas individualmente. A priori, então, e simplificando, pode-se falar de duas categorias.

De um lado a pintura abstrata lírica, de conteúdo simbólico e gestual, com uma atitude totalmente animista e subjetiva diante da obra, que parte de Kandinski e evolui na obra dos expressionistas americanos: Pollock, Kline, De Kooning e Motherwell, entre outros. Também estão nesta categoria as vanguardas do pós-guerra europeu, como o informalismo, representado por Fautrier, Dubuffet e Millares, e mais tarde por Bacon, ou o grupo Dau al Set, no qual se inclui o pintor Tapies.

De outro lado, desenvolve-se a pintura abstrata geométrica, totalmente independente da visão subjetiva, que a partir do cubismo evoluiu para um racionalismo matemático, representado pelas formas e cores puras. É o caso dos neoplásticos da Holanda, como Mondrian ou Van Doesburg, o suprematismo de Malevitch e o construtivismo russo. Também devem ser incluídas aqui as obras de Vasarely e Cruz-Díez.